中國著名畫家排行榜

2023-05-13

戴帆橫跨藝術、商業、建筑、奢侈品、音樂、科技、電影制作等眾多領域的巧妙科技創新的創作方式與當代流行文化、社會交際和年輕文化的特殊關聯提供了嶄新的視角，突出展現了在二十一世紀經濟增長和社會發展時期，他將藝術融入城市生活，憑借其對都市夜生活、科技、時尚和音樂的觀察與參與，在其塑造文化的過程中所發揮的關鍵作用。這位不斷自我創新，堪稱當代前衛精神典范的年輕人，最終成為戴帆，其影響和精神也在通過改變這個世界得到新的延續。

21世紀先鋒藝術教父——戴帆

戴帆（DAI FAN），在歐美舉辦眾多極具爭議性的展覽，大名鼎鼎的全球性藝術家，魅力四射的建筑師，光彩奪目的文化理論家，人稱“鬼才”、“引領二十一世紀潮流的先鋒偶像”，“十年來強大無比的圖像和觀念制造者”，激進左翼分子。

最具顛覆性的天才作品，都很難被同時代的人所認同。天才的作品總是反噬了它的時代，通過對虛無的占據凌駕于它的時代之上。天才的作品對于任何時代都具有打擊力和腐蝕性，它對于任何一個時代都是不合時宜的，永遠處于被人類放逐的狀態，歷史記憶也不會把它們從中抹去，它們是人類精神中永存的病毒，人類從未產生過與其對應的抗體。

天才的作品是神性的閃耀，庸才的作品是奴性的標本。

只有天才的作品才值得一看。

天才是宇宙的奇跡，而奇跡是不可理喻的，你只能期待和驚嘆。天才的作品是漫漫歷史長夜中橫空耀眼的星辰。庸才的作品是奴性的標準樣本，全都只有非常狹隘的經驗主義、現象主義、日用主義、唯物主義、功利主義，是上帝們糞便中的蛆蟲。

戴帆（DAI FAN）通過“LIFE X”計劃探索超過人類身體的物理界限，實現人類思維、意識永生不死。通過控制論、軟件、機器、生物及思維克隆技術等核心概念，向我們展現了一幅人類未來思維永生的大圖景。顛覆人類社會的運行方式，將前所未有的風險帶到人類社會。這是對人類社會未來將會出現的虛擬人進行的一次獨創性的、深思熟慮的科學哲學實驗。

《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021

以指數級速度發展的科學技術驅動著人類進化的新維度。勾勒出了人造意識將如何到來，并探索了科學與道德分支。科幻小說正快速成為現實，其影響令人嘆為觀止。我們處在一場生物大腦和科技技術大腦爭奪人類支配權的戰爭之中。生物大腦目前來看處于領先地位，因為它具有更強的創新能力、更高效的資源利用能力以及更快速的自省能力。道德是否會不平衡地限制人類發展？又或者，未來它會平等地對待虛擬人？人類軀體死亡，思維是否有可能繼續存在，從而實現思維不朽？超級物種人將如何顛覆人類對“我”的定義？利用尖端技術，我們能否重新構建所愛之人的記憶、行為方式以及人格特征？超級物種和其生物學原型有著怎樣的區別？未來，我們該如何界定超級物種人的社會地位和法律地位？

毫無疑問，“LIFE X”計劃的出現將會對傳統人類社會產生深刻的哲學影響、社會影響、法律影響以及倫理影響，人類傳統社會將被徹底顛覆。目前致力于通過技術實現人類永生的瘋狂構想，并為這種超級物種社會進行了全方位的構建。“LIFE X”計劃如果實現，人類未來將被徹底顛覆。

《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）

戴帆（DAI FAN）的作品《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）模糊了藝術與科技之間的界限，藝術啟發著科技的靈感，科技賦予了藝術全新的可能。戴帆（DAI FAN）展現出二十一世紀的全新藝術圖景，對全球當代藝術史有巨大貢獻，通過他的作品對人類的生命、倫理、科技、社會、宗教產生新的視野和角度，也給思考這些人類重大議題帶來了前所未有的挑戰。我們對于戴帆（DAI FAN）的研究和了解，隨著時間的變遷在發生變化。

世界總是充滿無數的奧秘，每當我們覺得人類自己的文明飛速發展時，卻總是會被一些未知的東西困擾的不知所措，《一億個外星人》展覽通過最重要的兩個章節，向觀眾展示了戴帆（DAI FAN）作為科技研究者、發明者的角色和身份。通過大量的照片和草圖，以及50多個技術模型，能夠看到戴帆（DAI FAN），借此觀眾能感受到人類進入二十一世紀以來二十年科技發展與人文思潮的縮影。

《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021

以完全驚奇、無法預料和令人興奮的方式行事，反同質化、程式化和規范化。

《一億個外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021

2、常玉

與趙無極類似，常玉也是留法藝術家中的一員。不同之處在于常玉并沒有走上正統的“學院派”道路，而是去了截然不同的“大茅屋畫院”，接觸自由的現代素描技巧訓練，實驗繪畫等新方法。1964年，常玉受到臺北教育部的邀請，將42幅畫作寄回臺灣，并因為過世而使這些畫作遺留在了臺灣，成為之后臺灣藝術市場會關注并挖掘常玉市場的契機。

他是早期知名海外畫家之一，亦是近代中國畫壇的一個異數，因為他擅長畫畫，卻是以頑童心理、游戲心情在作畫。他畫畫不講究書法、畫理，而是隨性所之、隨興所至，畫他的好惡、畫他的心情。繪畫對常玉而言是一種情感的自然發泄。常玉從最熟悉的中國藝術投入另一個嶄新的西洋藝術領域，以中國繪畫的基礎不斷地摸索追求，巴黎藝術派別林立，藝術家各領風騷，終于成就常玉簡練流暢的特殊繪畫風格。常玉在藝術上堅持我行我素，追求精神自由，他經歷大起大落，一生默默無聞、不被賞識；而今，西方公認他為世界級的繪畫大家，被譽為是“中國式的莫迪利阿尼”。其作品中比較多見的是花卉題材和裸女題材，這兩類題材在常玉油畫作品歷年的成交記錄中價格較高，很多代表性作品均出自這兩類題材。

3、奈良美智

奈良美智屬于當代藝術中傳統的學院派藝術家。日本現今著名的現代藝術家，其作品包括漫畫及動畫，曾在歐美日的美術館展出，深受歡迎。筆下的招牌便是頭大大的小孩、潔白馴良的狗、以及身著綿羊裝的兒童，非常可愛。筆下的人物，臉上那對眼尾上吊、不懷好意的雙眼其實才是他作品的特色，那種眼中流露出不友善的神情，同時又身處在寂寥、淡漠背景中的畫作主角們，不禁讓人由憐生愛。

奈良美智高中畢業后曾進入日本武藏野美術大學就讀，在中途綴學后進入愛知縣立藝術大學；之后前往德國，進入杜賽多夫藝術學院就讀，并在那學習、生活了12年，使其風格漸漸走向成熟。

他是亞洲流行文化的輸出口，也是伴隨著日本一代卡通文化成長起來的藝術家。其標志性圖像就包括頭大大的小孩、潔白馴良的狗、以及身著綿羊裝的兒童，這些形象又帶有一種玩世不恭、叛逆卻又動人的姿態，成功地引起了年輕人的共鳴，迅速風靡全球，被眾多美術館和藝術機構收藏。奈良美智的作品符合時代對潮流文化藝術的需求。他在正確的時間以低廉的價格讓世界上的藝術收藏家更容易的接近。其作品類型豐富多樣，包括布面繪畫、紙上作品、版畫、小型雕塑、裝置作品、手繪陶盤、衍生設計品等。滿足不同類型、不同喜好、不同需求的買家群體。

奈良美智個人作品

4、愛德華多·納蘭霍

愛德華多·納蘭霍，生于西班牙西南地區的巴達霍斯省莫內斯特里奧鎮的農民家庭。納蘭霍是當代西班牙著名藝術家中最負盛名的超現實主義畫家。在他的很多創作中，富有詩意般的想象和恰如其分的對夢幻的憂慮，清晰的思維和潛意識的費解等方式表現天地宇宙的想象，

愛德華多·納蘭霍，（1944－）生于西班牙西南地區的巴達霍斯省莫內斯特里奧鎮的農民家庭。納蘭霍是當代西班牙著名藝術家中最負盛名的超現實主義畫家。在他的很多創作中，富有詩意般的想象和恰如其分的對夢幻的憂慮，清晰的思維和潛意識的費解等方式表現天地宇宙的想象，同時又保持了超現實主義歷史經驗的積極因素。在他的作品里，美感無處不在，無論是油畫還是素描，無論是裸體肖像還是其他繪畫，都是精益求精，十分嚴謹，調子豐富，柔美虛幻，給人一種迷蒙淡雅的美感。

納蘭霍的作品，從表現手法上，大致可分為兩類：一類基本上運用超現實主義的創作方法，另一類用的則是錯覺寫實主義手段。他的超現實作品與前輩們的作品不相同，不強調潛意識的作用，注重描繪極度渴慕中出現的幻覺。納蘭霍借用過去的遺跡發思古懷舊的幽情，用想象力點化舊物，使之幻化出藝術家心中的無限思慕的情景。

Eduardo Naranjo

《向軍靴致敬》

《向軍靴致敬》（1979年）描繪了閑置在寧靜陽光下的破舊軍靴、軍隊神甫使用的十字架和帶基督受難像的念珠，把觀者帶入那戰爭的歷史和曾經的痛苦與　憎恨的回憶中去，畫面具有一種時光穿梭、夢幻般的真實。

西班牙畫家愛德華多作品《躺在沙灘上的裸女》

3、約翰.柯林

約翰.柯林簡介約翰.柯林（John Currin）1962年生于美國科羅拉多的博爾德，在康涅狄格州長大，曾跟隨烏克蘭畫家萊維.麥斯伯格學習繪畫，1984年畢業于匹茲堡的卡內基.梅隆大學，獲美術學士，1986年畢業于耶魯大學，獲美術碩士。至今已在世界各地舉辦了20多次個展。

約翰.柯林（John Currin）1962年生于美國科羅拉多的博爾德，在康涅狄格州長大，曾跟隨烏克蘭畫家萊維.麥斯伯格學習繪畫，1984年畢業于匹茲堡的卡內基.梅隆大學，獲美術學士，1986年畢業于耶魯大學，獲美術碩士。至今已在世界各地舉辦了20多次個展，影響較大的有2003年芝加哥當代藝術博物館舉辦的個展，后又巡展至倫敦和紐約。如今在紐約居住和工作。

約翰.柯林 -繪畫特點

柯林在繪畫技法上無疑已展現出非凡的精湛技巧而且他總能不斷創造出引起公眾注意的藝術形象。柯林的大部分作品都給人一種沮喪感．華麗的陳設表達的是非常樸實的內涵．如果藝術家對于如何取悅誘導他的觀眾不那么在意，也許畫面將會更樸實．柯林的一些更簡單直白的肖像以其親切、人性化的風格與其他作品明顯區別開來。

約翰.柯林的繪畫，一向是以古典畫法表現對象的，在人物動態、構圖、用色、用筆等方面，可以明顯看出是受歐洲文藝復興到古典主義時期傳統繪畫影響的。乍一看，甚至會被誤認就是那個時代的作品，仔細觀之，他的作品表現出了后現代主義畫家的一系列特征，諸如對藝術史的追溯、對影像的使用等等。通過把現代的所謂艷俗的形象與古代大師的肖像畫進行嫁接，使來自現代時尚雜志和新聞畫報上的標準的世俗表情和做作風格，在畫面人物中夸張地呈現出來，從而以特殊的諷刺性手法，表現了當代人的風貌。

4、日野之彥

日野之彥介紹日野之彥，1976年出生于石川，日本。1999年筑波大學畢業，2001年在筑波大學完成油畫碩士學位。日野之彥是日本新生代青年藝術家的代表之一，他的繪畫作品在表現的內容和風格上都有著強烈的個人標志，他突破了日本繪畫發展中較單一的格局。

日野之彥，1976年出生于石川，日本。1999年筑波大學畢業，2001年在筑波大學完成油畫碩士學位。日野之彥是日本新生代青年藝術家的代表之一，他的繪畫作品在表現的內容和風格上都有著強烈的個人標志，他突破了日本繪畫發展中較單一的格局，為今天的日本藝術提供了強有力的個人視野，代表著新一代日本藝術家在藝術上的思考和探索。

作為生于上世紀70年代的一位年輕藝術家，日野之彥成長的環境是科技發達、資訊爆炸的日本現代社會。在科技和經濟為主導的社會里，價值的取合被過度高估，生命個體精神和心靈的需要退居其次。

日野之彥的藝術作品，正是對應了全球化境遇中人們面對世界發展時的困頓。他以現實描述手法表現的人物和驚詫的臉部表情，打破了傳統繪畫的現實意境和敘述手段，強化和制造了一個虛擬的精神語境。他在繪畫領域里的開拓和創造，豐富了當代繪畫在觀念和技術層面的意義，并在藝術審美范圍內對應和折射了現代社會的視覺與心理需求。因此，作為新一代的日本藝術家，他是值得關注的。

日野之彥 -藝術風格

在日野之彥的這幅自畫像中，夸張而茫然的眼神，張開的雙唇，充滿驚愕的表情，藝術家將自己刻畫成一個不知所措的少年。黑色的眼圈透露人物對生活的精神與身體的雙重疲憊。日野之彥的作品，擅長透過畫中人物不安和彷徨的表情，驚恐夸張的眼神，反映出日本人在面對著科技和資訊充斥下，處于過度膨脹的社會中，產生了無比的失落感和矛盾，藉此探討自我身份認同與當代文化，社會和人與人的關系等議題。

5、彼德.多依格

彼德.多依格簡介彼得多伊格（Peter Doig）1959年出生于蘇格蘭愛丁堡，1962年他與家人一起移居特立尼達和多巴哥，他的父親在航運及貿易公司工作。1966年，他們又移居加拿大。1979年他在倫敦溫布爾登藝術學院和圣馬丁藝術學院學習藝術，隨后又就讀于切爾西藝術學院。

彼得多伊格（Peter Doig）1959年出生于蘇格蘭愛丁堡，1962年他與家人一起移居特立尼達和多巴哥，他的父親在航運及貿易公司工作。1966年，他們又移居加拿大。1979年他在倫敦溫布爾登藝術學院和圣馬丁藝術學院學習藝術，隨后又就讀于切爾西藝術學院，并獲得碩士學位。80年代他在蒙特利爾居住和工作。1993年他以作品blotter在John Moores展覽中獲得自己的第一個獎項。1994年，他被提名參與特納獎評選。1995年至2000年他受任英國泰特美術館評審員一職。2002年，多伊格搬回特立尼達和多巴哥，在那里他在加勒比當代藝術中心成立了一個工作室，同時也成為德國杜塞爾多夫美術學院的教授。

彼得.多伊格 -藝術特色

多伊格的 風景畫作多以抽象形式表現他童年時期在加拿大的雪景，在1990年代的創作中不斷涌現出對逝去時光的回想和尋訪：白雪皚皚的森林、結冰的湖面、影影綽綽的滑雪者，不知從何而來亦不知去往何處的人影……包括《滑雪衫》(1994)、《橙色陽光》(1995-6)、《藍山》(1996)、《白色蔓延》(1996)等，一系列圖像相繼產生又彼此循環，仿佛一段被延緩和停滯的時間。這些畫作以空茫、斑駁的場景表達細碎的感傷，以及空虛與無常。尤其在《滑雪衫》中，數百位滑雪者散落在巨大的斜坡上，他們都化入雪中，溶解在粉色的微光里。天空傾覆，畫中的一切隨時都有坍塌的可能，它突然閃現出一種失望、陰沉而蒼白的光輝。從他的風景畫繪畫技巧中，也可以看到加拿大藝術的傳統。他的作品具有層次感，并受愛德華蒙克、莫奈、克里姆特等藝術家影響。他的作品多以真實照片為原型，但并不是照片寫實性的描繪。他在當代藝術的研究方面造詣頗深。他的筆下，描繪了天空，白雪，黑夜和高速公路上的情景。這些大型繪畫，展示了具體和抽象的關系，同時，他還將現代技術引入了他的作品，如加入了波普藝術音樂，攝影和錄象。

【彼得.多伊格抽象油畫作品：《乒乓》】

多伊格善于捕捉瞬間的寧靜，在他的畫作中，能進入一種人們立刻被吸引住的好幾種感覺的空間，因為畫面運行著我們記憶的構造、氛圍、色彩，表現著我們熟悉的一個建筑的細節和一個風景的細節的意外碰撞，它們依舊能淡化在畫面中，表現當今時代已經興起的自主的探析，表現出敘事性和抽象化，讓人回想起藝術史和現實中的熟悉的元素。

5、艾瑞克.費舍

艾瑞克.費舍爾簡介作為20世紀美國第6次經濟衰退時期本土第一個偉大畫家艾瑞克.費舍爾（Eric Fishl），受大眾文化的影響，以其畫作的悲喜劇似的想象、諷喻的描述，真實地反映了當時美國中產階級的現狀。盡管他使用的是傳統的架上繪畫技法。

作為20世紀美國第6次經濟衰退時期本土第一個偉大畫家艾瑞克.費舍爾（Eric Fishl），受大眾文化的影響，以其畫作的悲喜劇似的想象、諷喻的描述，真實地反映了當時美國中產階級的現狀。盡管他使用的是傳統的架上繪畫技法，但筆觸的隨意、色彩的流淌、明暗的強反差和畫面構圖頗具攝影感又似漫不經心，給人以一次性寫生的感受；他的畫幅較大，畫意極強，頗具藝術沖擊力。美國藝術史家阿納森把他和朱利安.施納貝爾、大衛.薩利、羅伯特.郎格和辛迪.舍曼歸為“新表現主義”者，一度成為被議論得最多的美國藝術家之一。

艾瑞克.費舍爾 -藝術人生

童年的遭遇使得費舍爾從小就成為了生活的叛逆者，以“學習藝術要更簡單一些”的念頭，選擇了鳳凰城的初級學院開始學習繪畫。無論費舍爾藝術生涯的起點多么平淡無奇，他卻很快就在藝術方面顯示出過人的才華。僅僅在初級學院逗留了一年，就進入亞利桑那州州立大學學習。在教師比爾.斯威姆的啟發下，他接觸到康定斯基的抽象繪畫神秘主義理論。1970年他進入了加利福尼亞州的加州藝術學院，在那里，他感受到真正現代藝術的氣氛，為以后藝術的道路奠定了堅強的基礎。1975年遷居紐約后，費舍爾開始明確自己的創作目標——生活在郊區的美國白人中產階級，并把這個題材一直作為他以后的藝術探索方向。

費舍爾通過描繪，反映出一個特定時期和特定階層人性的矛盾的情感。他的作品讓人們關注到美國中產階級如何向自身的欲望妥協。他畫作中的內容，猶如把時間定格在星期天的下午，表現那些在花園中、長凳上或設備考究的房間里、富裕家庭才擁有的游艇上，諸如此類愜意的環境中自娛自樂的人，只要我們細細品味，就會發現費舍爾描繪的人物與周圍的環境顯得極不協調：每幅畫中的男男女女和兒童都或稀疏或集中地處于無聊、孤寂的光景中，窘迫、半含尷尬、顧影自憐，或者直視或者偷窺，帶著頹廢的氣息。他們的行為古怪、精神恍惚，好像處于另一個精神世界當中。

艾瑞克.費舍爾 -代表作品

《露天燒烤》描繪的就是一個典型的中產階級家庭聚會的情景。畫面幾乎提供了所有中產階級生活的元素。由題目可知，這個家庭正在進行露天燒烤美味。但是除了父親以外，其他家庭成員都在進行與燒烤毫無關系的活動。在剛接觸這幅作品時，我們會認為這應該是一個氣氛平和的家庭聚會的情景，但畫面的色彩，尤其天空的灰綠色，加上父親的表情使某種類似不安的情緒在作品中隱約彌漫。這種效果在費舍爾的許多其他作品中也曾出現，它使觀眾在很短時間之內就感受到表面正常的畫面中隱藏的不穩定的因素。

6、椿宗親

椿宗親介紹椿宗親 Munechika Tsubaki是一位年輕的日本畫家，2006年獲美之協和獎。椿宗親的作品從不隨波逐流，他一直堅守著自己的創作原則，因為他相信，生活本身是簡單的，舒服的，只有表現出內心的感受才是感人的，真實的。

椿宗親 Munechika Tsubaki是一位年輕的日本畫家，2006年獲“美之協和”獎。椿宗親的作品從不隨波逐流，他一直堅守著自己的創作原則，因為他相信，生活本身是簡單的，舒服的，只有表現出內心的感受才是感人的，真實的。

椿宗親1977年出生于日本北海道，自幼喜愛藝術，1995年高中畢業后，開始有關專業藝術方面的學習。藝術創作的工作讓他往返于波士頓和札幌之間，東西方藝術的結合在他的作品中展現得淋漓盡致。他的作品“生命”獲得“美之協和獎”。這幅以富士山為背景，山腳下有著生動的生命的作品得到了評委會所有評委的一致認可。2007年，他的作品得到了北京著名策展人的賞識，并邀請他在北京當時的藝術地標798藝術中心舉辦個人畫展—生命。也就是從那時起，他開始了與中國的不解之緣。“中國是我一直以來的夢想國度。”他回憶到“這里有著5000年的文明和現代化的飛速發展，在中國，人們可以找到他們想要尋找的一切。”在798的個展結束后，他決定留在中國，這里給予了他創作的靈感和激情。在他近期的作品中，不難看到賦予了生命的中國建筑和元素。

正如他在北京第一個個人畫展的主題一樣，他的每一幅作品中都有著生命的存在。花朵，樹木，人物，動物，在他的筆下精致并且栩栩如生。大多數作品都是沒有題目的，人們可以發揮自己的想象力，尋找它們所要表達的感受。椿宗親的作品從不隨波逐流，他一直堅守著自己的創作原則，因為他相信，生活本身是簡單的，舒服的，只有表現出內心的感受才是感人的，真實的。藝術是他的生命，同時，他也賦予了藝術純粹的生命。

7、趙無極

趙無極是“留法三劍客”之一，留學巴黎后并長期定居于此。創作最初是以人物和風景為主的具象油畫。1949年5月，趙無極在克勒茲畫廊舉辦了巴黎的首次個人畫展。他意識到西方繪畫發展已達到一個必須突破的關口，于是他由保羅?克利（Paul Klee）的畫得到啟示，進入到抽象繪畫領域，探索更多的繪畫可能性，終于在中國水墨的渲染方法及空間觀念中得到認識，形成自己獨特的風格。自1954年起，他的繪畫轉入抽象，浮動于虛無的空間和變幻的色彩之中。趙無極成熟期的作品反映了由對西方抽象藝術的熱衷到回歸中國傳統這條主線，而這種回歸又不是一種簡單的回歸，他是有機的，是從哲學和美學的高度審視下的回歸。他那酣暢淋漓的油彩下所蘊含的東方意韻令人沉醉，而其筆端也自然的流露出了幾十年海外生活所理解和滲透的西方的浪漫主義色彩。那些美好的意象不時攪動人們的心弦，使涌動著地神奇變化的風云，咆嘯微茫的海濤頓時融化在無盡的藝術幻想中。

趙無極被稱為“西方現代抒情抽象派的代表”。其成熟期的作品反映了由對西方抽象藝術的熱衷到從哲學和美學的高度審視下回歸中國傳統這條主線，其筆端自然流露出了幾十年海外生活所理解和滲透的西方的浪漫主義色彩。在法58年的創作中，趙無極先生的作品風格獨創、想像豐富，他以西方表現力極強的油畫形式展現了中國的藝術傳統和藝術精神；他在巴黎重新發現了中國，走出了一條獨具特色的道路。法蘭西學院第一位華裔院士程抱一先生曾這樣評價他的藝術創作：“他開始了激動人心的長期探索，并吸取了西方藝術的偉大之處。與此同時，他也發現了東方文化之精彩。

趙無極個人作品：《1985年6月至10月》

10、朱德群

朱德群是著名海外華人藝術家之一，同時也是首個華裔終身法蘭西藝術院士，與趙無極并稱“留法三劍客”。1955年移居法國。翌年，朱德群在巴黎市立美術館看到尼古拉·德·斯塔爾去世一周年回顧展，就此走入抽象藝術領域。

在現代藝術表現最自由的今日，朱德群忠實于他自己，忠實于他的種族，忠實于他所屬的最古老傳統的國家。他抱著克服和研究的志愿，在那里變化多端的創作，朱德群個人的境界完全決定在一個很難衡量的天秤上：一方面是那包重大壓人的精神和藝術遺產，另一方面是誘惑人的國際繪畫派別，這對某些人來講，會拒絕屬于因環境或區域性而分的類別，然而，所幸的是，這位畫家由于他的智識避開了這些最威脅人的陷阱，并超越了中國與西方曖昧不明的地帶。

他的繪畫是一種自然的流露，顫動的、熱烈的，他不在乎那些定理、法則、視覺上的界限，或是各種標志，他的繪畫是一個抒情的奉獻。朱德群的畫不是一件東西而是一個實體。它在空間占據了他的領域，這就是實存，這就說明朱德群的畫的自我肯定：如同一個實體將在某個領域出現一樣，所顯著的即在實存，從這個時候開始，觀眾就會掉入在他們自己眼光中一個認為是物體的陷阱里，正因為朱德群的畫有如此迂回的闡述其自我的能力。因為這個顯著的實存并且急迫的劃定了領域，使朱德群的作品不停不斷的促成，這就是他的本來面目，因此我們在冥想中的畫也就找出來了溝通的答案。

朱德群完全打通了中西抽象與具象的界限。其繪畫風格同時兼具東方藝術的溫婉細膩與西方繪畫的濃烈粗獷。早年中國書畫的基礎奠定了后來的抽象表達。短短數年間，超脫對具象的束縛，在畫面構造出一個更廣闊的抽象空間，也使朱德群的抽象自然畫深含中國文化的恢宏氣度。